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2019年7月13日 星期六

Mozart’s Diary Where He Composed His Final Masterpieces Is Now Digitized and Available Online



We have a tendency to regard Wolfgang Amadeus Mozart's music as having emerged fully formed into the world, not least because we hear it performed almost exclusively in a highly polished state of near-perfection. That makes any glimpse into the process of its creation all the more valuable, and the British Library has now provided us with much more than such a glimpse: at its site you can now read Mozart's own thirty-page musical diary, a record of "his compositions in the last seven years of his life" and thus "a uniquely important document" in the history of classical music.

2015年10月20日 星期二

《4分33秒》 寂靜的聲響


《4分33秒》  寂靜的聲響

約翰·凱吉(John Cage 1912/9/5-1992/8/12),美國音樂家,曾接受荀白克(Arnold Schoenberg 1874-1951)指導,他對Cage留下深刻印象,認為Cage不是作曲家,而是發明家。最知名的作品是1952年所寫《4分33秒》(4'33”),是一首完全無聲的樂曲。他是機率音樂(aleatory music,或「機會音樂」(chance music))、延伸技巧(extended technique,樂器的非標準使用)、電子音樂的先驅。


作曲家曾在《4分33秒》開演前,對聽眾這麼說:「其實絕對的寂靜你是永遠聽不到的,我能做的只是在這4分33秒內讓你能真正集中精力在所謂的寂靜裡聽到你自己,聽到在我們生存的環境裡一切可能偶然發生的,但也非常習慣了的聲音。這些聲音無時無刻都有美妙的不可數的變化和它們自然的總體(texture)與對位(counterpoint),我認為寂靜是聲音的一種」

(封面是年輕的John Cage )
轉載自《MUZIK AIR 閱讀》

2015年10月8日 星期四

The Story Of The Establishment Of Standard Pitch

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For a clear understanding of why establishing a standard pitch was so important, I have outlined a short history of the trend of pitch over a period of nearly two centuries. The information up to about 1880 was taken from “Helmoltz’s Sensation of Tone”. From that time to just prior to the establishment of a standard pitch (1925), I took the data as presented by Richard Kamperman president of the former organization of piano technicians, known as the National Association of Piano Tuners to create the following scenario:

“The members of the National Association of Piano Tuners (NAPT), were the authors of the resolution that brought about the end of the chaos that existed in the matter of musical pitch prior to June 11, 1925.

“Historical pitches from the lowest to the highest: (there were other pitches used during these periods, but the following pitches exerted influence only at their particular institutions and on persons in the same musical environment). It is interesting to note the steady rise of pitch of the various tuning forks.

PITCH YEAR DESCRIPTION
A-384.3 1700 A tuning fork of an early church, origin unknown.
A-423.5 1751 Fork of Handel
A-415.0 1754 Roman Catholic church organ in Dresden.
A-420.1 1780 Winchester College organ.
A-421.6 1780 Fork of Stein, who made Mozart’s pianos and forks.
A-424.6 1800 Dr. Steiner’s fork, used in Plymouth Theater
A-427.0 1811 Paris Grand Opera
A-433.0 1820 London fork, approved by Sir Geo. Smart, conductor of Philharmonic concerts.
A-434.0 1829 Paris Opera.
A-435.0 1829 Dresden Opera.
A-436.5 1834 Vienna Opera.
A-440.2 1834 Stuttgart pitch, Scheibler fork.
A-436.0 1846 London Philharmonic.
A-435.4 1859 Pitch adopted by Vienna congress.
A-443.5 1859 Brunswick opera.
A-435.9 1868 Mason & Hamlin’s French pitch, also Ritchie’s standard pitch (USA)
A-448.2 1869 Leipzig, official fork of Society of Arts.
A-437.3 1872 Pitchler’s fork, tuned pianos for the Berlin opera.
A-451.1 1874 Belgian Army pitch, in 1880, Chickering’s standard NY pitch.
A-455.1 1877 Wagner festivals in London.
A-457.2 1879 Steinway’s fork, New York pitch.
A-450.9 1880 Boston Music Hall, USA.
A-458.0 1880 Steinway’s fork, New York.

The trend of the rise in pitch really began at the congress of Vienna in 1814, when the emperor of Russia presented new and sharper band instruments to an Austrian regiment, of which he was colonel. The band of this regiment became noted for the brilliancy of its tone. In 1820 another Austrian regiment received instruments that were sharper still, and the theaters were greatly dependent upon the bands of the home regiments for the source of their music, they were obliged to adopt the pitches of the regimental bands. Gradually at Vienna the pitch rose from A-421.6 (Mozart’s pitch) to A-456.1, This was the pitch that the Theodore Thomas orchestra used in Cincinnati in 1880.

The mania spread throughout Europe; pitch was on the rise, but at very different rates. When the pitch reached A-448 at the Paris Opera in 1858, the music world took flight. The emperor of France appointed a commission to select a pitch, whose findings brought forth a pitch fork called Diapason Normal, which was found to be A-435.4. This fork was, at the time, preserved at the Paris Conservatory of Music. At the great Vienna Congress in 1885, this pitch was advocated to be adopted as Standard Pitch, and in the United States some of the eastern piano manufacturers did adopt that pitch and began to tune their pianos to it in 1892. Up to the time of this international congress in Vienna, many different pitches had been in use. In this country the so called concert pitch was used, but with the variations of anywhere from A-452 to A-458. Although at the international congress in Vienna in 1885 the pitch of A-435 was recognized, it was not adopted everywhere immediately.

This pitch the Vienna congress adopted was the French Diapason Normal, as it was approved by the commission appointed by the emperor of France in 1858, and adopted in 1859; A-435.4 at a temperature of 59 degrees Fahrenheit. Two important factors were specified, the number of vibrations and the degree of temperature. Those two factors must be considered together, as they are directly related.

The fact that musical programs are rendered under different temperature conditions than formerly, exerted an important influence upon the adoption of our present day pitch of A-440. Concert halls and other public places were not heated as they are today. There were large churches in Europe which were not heated at all. As the halls and churches were heated to ever higher temperatures the pitch of the wind instruments went up. Wind instruments tuned to A-435 at 59 degrees F. will go up in pitch to A-440 when played in a hall heated to 72 degrees F, but the piano in turn does not go to A-440, but has a tendency to flatten.

So since we do not play in cool halls of 59 degrees, but more likely at 72 degrees, and since the workmen in instrument making factories work in warmer temperatures closer to 72, it is much simpler to use an A-440 fork in the production of orchestral instruments. Piano manufacturers must consider tension, weight, and lengths of various sizes of wire used in the scale of their pianos, in order to secure a proper balance of the high tension of the wires at the recognized number of vibrations and temperature conditions.

The American Federation of Musicians finally recognized the effect of temperature on A-435 tuned instruments and at its national convention in 1917 adopted the pitch of A-440. But even at that date there was no conformity in this country. High concert pitched instruments were in use in many sections and professional musicians were compelled to use two sets of instruments in their various engagements (high and low pitch). Brass instruments were built in high pitch and provided with low pitch slides, and when used with these slides for the lowering of pitch, the intonation of the instruments became faulty, dependent on the skill of the performer to “lip” them in tune.

Outside of the aforementioned eastern piano makers who adopted A-435 in 1892, piano makers used a different pitch source according to their own ideas of pitch. Organs were tuned to the favorite pitch of the choir leader rather than to a standard, and as for pianos, their pitch varied from “high concert” to a little under A-435. In those days, if the piano tuner was not informed by the piano owner or a player as to the desired pitch they wished to have their piano tuned, it was tuned to the prevailing pitch at the time of servicing, whatever that was. Since there was no set standard, opinions continued to vary and those tuners who had forks set to the Vienna congress (A-435), gave up their use because these forks were rarely in agreement with the pitch demanded. Such were the contradictions existing in the chaotic world of pitch prior to the adoption of A-440 at 68 degrees fahrenheit.
In 1925 a standard pitch was established. Through what means was it established? What force made it possible to establish and maintain a set standard pitch? Out of all groups who were subjected to the contradictions existing in pitch, those confronting the piano tuners were the greatest. It was only natural therefore, that from this source an
attempt would be made to reach an agreement on pitch standard.

Upon the occasion of the 15th National Convention of the National Association of Piano Tuners, Inc. at Milwaukee in 1924, its membership passed a resolution calling for the standardization of pitch. It reads as follows:

WHEREAS members of this association are vitally interested in the question of a standard of musical pitch, and
WHEREAS a most deplorable confusion now exists in regard to this standard, as among manufacturers, musicians, tuners and the musical world in general, and further
WHEREAS attempts have been made by various groups to commit the musical world generally to a new standard, therefore be it
RESOLVED that this association, as directly and vitally interested, both theoretically and practically, in this question, declares it to be one which no group save one representing every interest in the world of music - artistic, scientific, and commercial - can possibly be competent to decide; further be it
RESOLVED that this association, desiring to do what it can do to clarify the present dangerous and deplorable confusion in the standard of pitch, hereby directs its president to communicate with the Music Industry Chamber of Commerce, informing that body that this association desires to have called together a national conference representing the interests of manufacturers of all musical instruments, musicians, tuners, and the United States Government, which may explore the whole question and make upon it an authoritive (sic) and final pronouncement to the end that a satisfactory standard of musical pitch may be forever established; lastly be it
RESOLVED that the membership of the National Association of Piano Tuners pledges itself faithfully to observe all technical requirements of such a standard when it has been authoritavely (sic) adopted and established.

Mr. Richard Lawrence, then president of the Music Industries Chamber of Commerce, was so impressed with the importance and the seriousness of the proposal that he appointed a committee to look into the practicality of it and named the president of the National Association of Piano Tuners, Charles Deutchman, as chairman of that committee.

It was indeed an exhaustive study, too long to be recounted here, as to the discussions and meetings that were performed in pursuit of standard pitch. In short, all affected branches of the Music Industries were represented and every possible point of view presented. Questionnaires were mailed out and answers were received with commendable promptness from all affected parties. It was apparent from the first that all concerned were conscious of the importance of the matter and also recognized the great need for action. Considering the vastness of their task, the committee arrived at their proposal in a very short time. Their recommendation? A-440 at 68 degrees Fahrenheit.

However, the labors of the committee were not over, for this same committee was then authorized to supervise the construction of a set of absolutely accurate standard tuning forks for A-440 at 68 Degrees Fahrenheit; said forks to represent the pitch known as A4, being the A above middle C on the keyboard, or the second space of treble clef. These forks were to be three in number - one to be deposited in the U.S. Bureau of Standards in Washington DC, one to be deposited in the central office of the Music Industries Chamber of Commerce, and one with the National Headquarters of the National Association of Piano Tuners, Inc. It was decided that there was need for an additional C fork of the corresponding pitch, rated at 523.23 because of the general practice at that time of most of the tuners of the NAPT using that as its starting point for laying the bearings. The ratings of these master forks was entrusted to Dr. Dayton Miller of the Case School of Applied Sciences, who also was the president of the American Physical Society, whose acoustical laboratory was the most complete in the US for the work at hand. The Case School was also appointed the task of comparison and correction of said forks. It can be said that, to the credit of the entire industry, without exception, they all complied promptly, submitting their forks for corrections.

Instrument makers were forced to spend considerably to make their instruments conform to the new standard. The organ and piano builders, not so much. We do not realize what an enormous task it was to accomplish the standard of musical pitch that we have today, and what they had to go through to complete the task. This article will put into some perspective that task which was successfully implemented.
 
Writer: Vincent
From "My Piano Friend"
 
An Introduction to Music Theory Pt 1- Pitch
 
 
Where Music Meet Science Part 1: Pitch and Frequency
 

2015年9月20日 星期日

孟德爾頌「新作」面世

孟德爾頌「新作」面世

 

 



新聞來源:limelight
 
自《MUZIKAIR閱讀》

2014年9月25日 星期四

Conductor Christopher Hogwood dies aged 73

Christopher Hogwood
Hogwood founded the Academy of Ancient Music in 1973

British conductor Christopher Hogwood has died aged 73.

He died at his home in Cambridge following an illness lasting several months, a statement on his website said.

It added his funeral will be private, with a memorial service to be held at a later date.

Hogwood worked with many leading orchestras around the world and was considered one of the most influential exponents of the early-music movement.

The conductor founded the Academy of Ancient Music (AAM) in 1973 and directed the academy across six continents for some 30 years.

The AAM also made more than 200 CDs, including the first-ever complete cycle of Mozart symphonies on period instruments.

Among his most famous recordings include the 1980 version of Handel's Messiah with Emma Kirkby and Carolyn Watkinson, which was named by BBC Music Magazine as one of the top 20 recordings of all time.

Hogwood studied keyboard at Cambridge University with Rafael Puyana and Mary Potts and later with Zuzana Ruzickova and Gustav Leonhardt.

His first positions were as a keyboard player and musicologist with the Academy of Saint Martin-in-the-Fields under Sir Neville Marriner, and was a founder member of the Early Music Consort of London.

He was the artistic director of the King's Lynn Festival and Boston's Handel and Haydn Society. He was also a tutor at Harvard University, honorary professor of music at the University of Cambridge and a professor-at-large at Cornell University in the US.

"Christopher had extraordinary generosity of spirit," Christopher Purvis, honorary president of the AAM, said.

"He was a great ambassador for historically informed music, the movement of which he was a founder. And he was happy to see the orchestra he founded develop and grow after he stepped down as director."

The AAM's music director Richard Egarr added: "I am deeply saddened by the news of Christopher's passing. Christopher provided a fantastic legacy for me to build upon when I joined in 2006 and I know he will be greatly missed by all who knew and worked with him."

Speaking to Sean Rafferty on Radio 3's In Tune, soprano Dame Emma Kirkby said: "Some of the best players that now lead orchestras all over the world, they started with him.

"Chris was a natural academic, an incredibly clever man. He had an amazing capacity to absorb information of all kinds and a really sure sense of how things would be if he really tried to reproduce conditions... a very genial person."

David Thomas from Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance, London added: "He always said I want the music to speak for itself because it can, it's good enough, it will… a very pleasant and lovely man."

from BBC News (




2014年6月5日 星期四

樂聞樂思/從荒謬到崇高

【聯合晚報╱焦元溥】

這幾天,我常想到貝多芬的《迪亞貝里變奏曲》(Diabelli Variations)。 在寫下《第三十二號鋼琴奏鳴曲》之後,貝多芬就將創造力轉向弦樂四重奏。之所以還會有這部大作,得從迪亞貝里開始談起。 迪亞貝里是當時知名的音樂出版商,也會寫些作品。為了宣傳自己的出版社,1819年上半年他將自己創作的一首圓舞曲,以「資助拿破崙戰爭所致的孤寡家庭」為由,邀請奧匈帝國境內所有知名的重要作曲家為其寫作變奏,合成「祖國的藝術家」曲集以出版。 如此邀約一出,作曲家們當然樂於從命,還包括想要擠進名單裡的作曲家。不過十八至十九世紀初所謂的「作曲家」,以現在眼光而言,很多只能算是「演奏家」,不過略懂和聲,能夠編寫一些演奏用的華麗變奏罷了。迪亞貝里的邀請名單中,很多都是如此「作曲家」,寫成的變奏也就無法在和聲與對位上有何突破,只是些聽來非常相似的展技曲調罷了—話雖如此,這其中還是有一聽即知的天才,那就是舒伯特。只要兩秒鐘,你就能夠辨認出這是舒伯特,也能夠知道這位作曲家確實鶴立雞群,遠遠勝過其他受邀者。 那麼多人受邀,貝多芬當然也在內。他當時與迪亞貝里已有多年交情,但起初可是拒絕參與,認為圓舞曲主題平庸無奇,實在看不上眼。不過後來,也就是四年之後,貝多芬居然在1832年完成一部具有三十三段變奏的超大型作品:隔年,兩卷本「祖國的藝術家」出版,貝多芬這首變奏曲為第一卷,其他五十位作曲家的變奏則是第二卷。然而貝多芬此曲之後的版本都單獨出版,以《迪亞貝里變奏曲》聞名於世。 起先不寫,最後卻寫了一本,貝多芬在想什麼呢?很大一部分,是給自己找樂子。貝多芬並沒有把旋律作為變奏的主體,而是從主題中最小的元素入手,例如開頭倚音,四度和五度下降,以及重複的音符當成變奏重點。如此寫作,其實是刻意踩人痛腳,拿短處放大來挖苦一番。《迪亞貝里變奏曲》許多變奏,其實是貝多芬在告訴大家:聽呀,迪亞貝里這個主題寫的有多爛呀! 很多證據顯示,貝多芬寫這首作品時,真的「心情很好」,真的作弄人作弄地非常開心。但貝多芬也不會讓此曲只是開玩笑。迪亞貝里的主題在變奏中被提高、戲謔、模仿、嘲笑、駁斥、變形、悼念、踩在腳底但又最終昇華—是的,一如《第三十二號鋼琴奏鳴曲》,在各式各樣的變奏之後,貝多芬讓音樂昇華,到達深邃感人又清澈透明的高妙境界,只要你聽到最後,一定能為那音樂所感動。 而我也在期待,在近日各式荒謬言論齊出之後,台灣能夠等到昇華。
【2014/05/24 聯合報】
 
Sviatoslav Richter in Prague, 1986 - Beethoven Diabelli Variations
 

2014年6月4日 星期三

蕭邦:以鋼琴懷鄉的流亡詩人

1836 年,德國作曲家舒曼聽過蕭邦親自演繹自己的練習曲 (études) 後,在他所創辦、具相當影響力的《新音樂雜誌》(Neue Zeitschrift für Musik),評論蕭邦的演奏和作品:「想像一部希臘的風鳴琴 (Aeolian harp),有着各種的音,鋼琴家的手輕輕一撥,裝飾聲音美妙而典雅,更聽到最低沉的音和在上面流動的旋律。你就大概瞭解蕭邦演奏得怎樣。」他稱蕭邦的練習曲經已超越單純訓練手指的練習。「這簡直就是一首詩。」
***
蕭邦 1830 年離開家鄉波蘭華沙。巴黎有着華沙沒有的機會,華沙有令他掂念的家人和朋友。但自他到巴黎以後,他就沒有踏足過波蘭一步。
蕭邦 1830 年離開家鄉波蘭華沙。巴黎有着華沙沒有的機會,華沙有令他掂念的家人和朋友。但自他到巴黎以後,他就沒有踏足過波蘭一步。

1831 年 12 月,年僅 21 歲的蕭邦 (Fryderyk Chopin) 終於抵達到巴黎。相比起他的家鄉波蘭華沙 (Warsaw),這裏繁榮而且有着深厚的文化氣息:這是雨果 (Victor Hugo)、大仲馬 (Alexandre Dumas) 的巴黎,小說文字中,滲透着浪漫主義的氛圍。而且,他在這裏也感覺更踏實。巴黎有着很強的波蘭人社群,四處都有波蘭的移民。家鄉遠在一千五百公里以外,這種與祖國的聯繫,實在至為重要。

蕭邦立即在巴黎建立必須的人際網絡。他的第一場公開音樂會,在鋼琴製造商皮利爾所設的皮利爾音樂廳 (Salle Pleyel) 舉行,引來不少讚譽。樂評人寫道:「這年輕人摒棄自我限制和前人的模範,完全把鋼琴音樂重新活化……他豐富原創的意念,前無古人。」

蕭邦在巴黎漸漸建立起名聲,穿梭於上流社會,雖坦言自己沒有刻意地要向上爬,但他說「對我而言,這卻有着絕對需要,因為他們有着良好的品味。當你在英國或奧地利大使的晚間樂聚演奏,你會立即被稱讚有才華。」在巴黎的頭兩年,他靠着父親從波蘭的匯款維生,不久後他已經能賺得足夠的收入,讓他住在時尚的社區。他活躍於教學,不少學生是仕紳階層的淑女。蕭邦的舉止優雅有禮,是其中一個特別吸引的原因。當然,他細緻而優雅的鋼琴演奏,更令人趨之若鶩。

雖然,蕭邦在巴黎站得住腳,但在他腦海中,還是被思鄉的夢魘所壓迫。年少時的同窗兼好友沃伊齊休夫斯基 (Tytus Woyciechowski),曾經分享蕭邦不少心事。一封由巴黎寄往華沙的信中,蕭邦向沃伊齊休夫斯基寫道:「表面上,尤其是我在同鄉間表現得生活愉快;但是內裏卻經常的拉扯:憂鬱、不安、惡夢、失眠、叫嚷、對生存甚至死亡都莫衷一是。」

 沃伊齊休夫斯基與蕭邦,本應一齊待在巴黎。1830 年 11 月 29 日,波蘭人向俄羅斯沙皇委任的管理政府起義,攻擊管理波蘭的大公宮邸貝爾維德雷宮 (Belweder)。沃伊齊休夫斯基義不容辭,立即回家鄉支持革命,把蕭邦留在歐洲的中部。他得自己一個尋找去路。
***

蕭邦 1810 年生於波蘭的市郊。他的爸爸是高中教師,不單家住在高中附近教師聚腳的地方,就連朋友也多是在高中和大學任教的知識份子。和蕭邦家庭熟稔的,還有一些波蘭貴族。這些貴族的孩子,很多與蕭邦一起長大,在高中讀書時甚至是同室密友。

蕭邦在早年已經顯露音樂才華,在華沙上流社會甚至是權貴階層的沙龍 (salon) 間活躍。八時歲,他演出自己創作的波蘭舞曲,被人形容為「真正的天才」,樂譜還被出版。他雖然受過鋼琴老師指導,但他很快就得依賴自己學習。

1830 年 11 月波蘭人向俄羅斯沙皇委任的管理政府起義,攻擊管理波蘭的大公宮邸貝爾維德雷宮 (Belweder)。蕭邦就此一直流放。
1830 年 11 月波蘭人向俄羅斯沙皇委任的管理政府起義,攻擊管理波蘭的大公宮邸貝爾維德雷宮 (Belweder)。蕭邦就此一直流放。

華沙雖然是波蘭王國的首都,但是與巴黎和維也納這些大都會比較,華沙的音樂機會還是比較少。畢業後,蕭邦到維也納旅遊,因緣際會,在音樂之都舉行了兩場音樂會,獲得空前的好評。雖然,性格內向的蕭邦,並不喜歡公開的音樂會,特別是他在華沙的演出,全都在友好仕紳好府邸進行。這種晚間樂聚 (soirée),在上流社會間極為普遍,而蕭邦顯然比較喜歡這種較為親密的演出空間。

但是,年輕的蕭邦,還需要在音樂上尋找出路。面對前路茫茫,他表現得猶疑不決,情緒相當低落。開朗而果斷的沃伊齊休夫斯基,成為了他的傾訴對象。久經計劃,兩人在 1830 年 11 月 1 日,離開華沙前往維也納,展開一個未知的音樂之旅。

以後,蕭邦會「詛咒我離開的一刻」。
***

蕭邦在巴黎的日子,掂掛家鄉,與家中的父母通訊不斷,卻沒有歸家。俄羅斯強硬鎮壓革命,廢除波蘭憲法,把波蘭再一次納入俄羅斯王國的版圖。不過,沙皇卻宣佈特赦牽涉在革命而流亡在外的波蘭人。蕭邦等流亡的人,只須到巴黎領事館辦手續,就可取得護照,自由進出家鄉。

優柔寡斷的蕭邦,沒有這樣做。巴黎 1830 年經歷了七月革命,反對當時的查理十世 (Charles X) 禁制出版自由和通過新的選舉法,令大部份中產階層喪失投票權。面對波蘭發生相類壓制人民的事,法國人對波蘭人普遍也相當同情。 後來,更有傳聞說向俄羅斯申請特赦的人,結果被沙皇政府拘禁並處以 15 年勞役。蕭邦在革命前已經離國,當然與起義活動無關。但有這種消息,難免令人對政府喪失信心。雖然巴黎與華沙同處於動蕩,但蕭邦在巴黎社會得到相當的接納和安全感,的確是留在巴黎的好原因。

不過,其中另一個不能忽視的實際因素,是他不能放棄巴黎的生活與教學,還有那可觀的收入。畢竟,他在巴黎建立起華沙不能承載的事業。

蕭邦的音樂多愁善感,一首短短的前奏曲,充斥了被稱為「哀歎」的下行半音動機,而且音樂沒完沒了,就是讓歎息延續。蕭邦在 1839 年為每一個調寫下一共 24 首前奏曲,似乎受了巴赫的啟發。1838 年蕭邦到西班牙馬略卡 (Majorca) 創作,身上所帶的,就只有巴赫的《平均律鍵盤曲集》,裏面也有 24 首前奏曲。
蕭邦的音樂多愁善感,一首短短的前奏曲,充斥了被稱為「哀歎」的下行半音動機,而且音樂沒完沒了,就是讓歎息延續。蕭邦在 1839 年為每一個調寫下一共 24 首前奏曲,似乎受了巴赫的啟發。1838 年蕭邦到西班牙馬略卡 (Majorca) 創作,身上所帶的,就只有巴赫的《平均律鍵盤曲集》,裏面也有 24 首前奏曲。



蕭邦在巴黎的公開演出不多,他多在私人的樂聚間演奏,享受那親密而多變的音樂。他的作品包括大量的波蘭舞曲 (Polonaise)、瑪祖卡舞曲 (Mazurka) 和圓舞曲 (Waltz),這幾種舞曲在歐洲相當流行,雖然已經不是主要用作舞蹈,但風格優雅活潑,還是深受聽眾歡迎。

正是來自波蘭的波蘭舞曲與瑪祖卡,讓蕭邦一抒思鄉之情。波蘭舞曲雖然源自於民間,但在十七世紀出現在波蘭貴族和宮廷之中,漸漸變成高貴的舞蹈,更在十八世紀開始,流行於歐洲的宮廷之內,作品不缺,就連巴赫在他的《法國組曲》中,也有波蘭舞曲的樂章。隨着宮廷沒落,波蘭舞曲在波蘭祖家找到了發展的新土壤,一眾波蘭作曲家為了讓舞曲重現昔日光輝,特別在鋼琴上發揮炫技的難度。蕭邦早年接觸過這些早期鋼琴作品,啟發不少。

雖然蕭邦也寫過輝煌的波蘭舞曲,可是他在巴黎所寫的波蘭舞曲,逐漸超越技術層面。他的音樂不單帶着多樣而複雜的情感,樂曲間更展現出非比尋常的張力。作品 44 升 F 小調波蘭舞曲,開首具悲劇性的主題與中段較富幻想力而斷斷續續的段落糾纏,後來出人意表地,聽到的竟是一首平和的瑪祖卡。

蕭邦的創作,開始超越了曲式和曲種 (genre) 的定型,行出自己獨特的道路。
***


相比起在偌大的劇院面對全都不認識的觀眾,蕭邦比較喜歡較親密的演奏空間,所以他常在沙龍 (salon) 中演出。
相比起在偌大的劇院面對全都不認識的觀眾,蕭邦比較喜歡較親密的演奏空間,所以他常在沙龍 (salon) 中演出。


1836 年,蕭邦在李斯特 (Franz Liszt) 的推波助瀾下,認識了女小說家喬治桑 (George Sand)。蕭邦對於文學女性並不大感興趣,但李斯特卻應允了喬治桑,要介紹這位聞名於巴黎的波蘭作曲家給她認識。於是,李斯特在他下塌的酒店,讓兩人碰面。蕭邦對友人回憶這次會面:「喬治桑真的毫不吸引。她真的是個女人?」喬治桑是個男性化的筆名,背後的女作家,原名叫 Amantine-Lucile-Aurore Dupin,18 歲時嫁了給男爵的私生子杜德望 (Casimir Dudevant),生了兩名孩子,之後卻與杜德望離婚。優柔與弱不襟風的蕭邦,剛好與喬治桑是個對比:她是個陽剛、倔強、健談的女子。

蕭邦向父親友人的女兒求婚,等了又等之後,結果被對方家人拒絕。失望與沮喪下,蕭邦在 1838 年再遇喬治桑,兩人墮入愛河,開始了一段歷時九年的戀情。喬治桑比蕭邦年長五年半,她跟他的相處,有點像是媽媽照顧小孩般的感覺。特別是蕭邦一到 30 歲,身體狀況開始轉壞。喬治桑成為了蕭邦的護士。

蕭邦會在每年夏天,逃離繁忙與潮濕的巴黎,前往喬治桑在法國中部諾安 (Nohant) 的大宅,專心創作。這時的作品,可謂蕭邦最成熟的音樂。他在這時寫了不少大型的作品,包括長篇的敘事曲、幻想曲和奏鳴曲。但是這也是他最花時間創作的時期;他愈趨完美主義,創作愈慢,心情就愈差。

雖然蕭邦無法踏足波蘭,但他的名聲卻在波蘭一直維持,甚至被認為是波蘭人在歐洲的典範。他的名聲遍及德國、英國,他在萊比錫出版的樂譜,在波蘭極之暢銷,很多都在開售後幾天被賣清。波蘭自 1795 年喪失自主後,只能在藝術間帶出民族意識。在波蘭人眼中,蕭邦是一位為波蘭發聲英雄般的作曲家。他作品中濃厚的波蘭風情,尤其是輝煌的波蘭舞曲,正是受壓逼的波蘭人保存自我意識的重要工具。

不過,這位譜寫英雄音樂的作曲家體弱多病,亦是眾所周知,也成為不少人關心的焦點。蕭邦的音樂向來多愁善感、富有詩意,甚至有很多可堪細味的音樂細節。他的音樂,可謂是他人生的寫照。1847 年,他與喬治桑因着錯縱複雜的家庭問題,爭吵得無法收拾,最後他和喬治桑的女兒,一併被趕離諾安大宅。喬治桑說:「這是九年親密關係怪異的結局。」
***

1849 年,蕭邦寫信給年少時好友沃伊齊休夫斯基。「我希望上帝准許你來我這裏……你比任何藥物都有用。」他知悉好友因着護照問題不能到巴黎,但蕭邦此刻已深知死亡臨近。「我病了,或許你來是分享我憂傷和失望的時刻,但也是安慰和懷緬年輕歲月的時候。我真希望我們一起是快樂的時光。」

最終,蕭邦沒有和好友見面。1830 年好友回國支援革命以後,他倆至死也再沒見面。蕭邦亦從那時起,一生再未曾踏足過故鄉的土壤。

蕭邦雖然沒有執起過起義的旗幟,也沒有激烈地宣揚愛國的訊息,他甚至是個最後只剩下 45 公斤的、體弱無力的鋼琴家,最後殘燭獨自熄滅。但是,他一直在波蘭人的心目中有着崇高地位。因為他真正的把波蘭藝術,推上高峰。

他寫過既細緻得令人沉溺的詩,也寫過壯闊得叫人激昂的歌。他的身驅雖長留花都,但他的心一直心繫故鄉。在生如是,逝世以後亦如是。

蕭邦 1849 年逝世,喪禮上的音樂,包括充滿歎息的 E 小調前奏曲。他的身驅長埋巴黎佩爾拉雪茲公墓 (Cimetière du Père-Lachaise),他的心臟幾經輾轉,於 1879 年被封在華沙聖十架教堂 (Kościół Świętego Krzyża) 的柱內,一償蕭邦生前回國的心願。
蕭邦 1849 年逝世,喪禮上的音樂,包括充滿歎息的 E 小調前奏曲。他的身驅長埋巴黎佩爾拉雪茲公墓 (Cimetière du Père-Lachaise),他的心臟幾經輾轉,於 1879 年被封在華沙聖十架教堂 (Kościół Świętego Krzyża) 的柱內,一償蕭邦生前回國的心願。

Photo credit: mw238@flickr
更正:早前版本指蕭邦與喬治桑於 1855 年分開,實為 1847 年。

此文章為 「音樂遊蹤」講座系列:東歐站 講座系列 之專題文章。講座日期為 2014 年 5 月 28 日。

自《Dennis Wu》(28/5/2014)


Chopin - 12 Études, Op. 10 (Murray Perahia)



Chopin Documentary - The Women Behind The Music
 
 
High-tech Chopin museum brings composer's career to life  

2014年6月3日 星期二

海頓:虛心為音樂服務的父親

文:胡銘堯

1795 年,年屆 63 歲並闊別家鄉多年的海頓突然獲得邀請,造訪出身地盧勞市 (Rohrau)。海頓六歲時,離開這個在奧地利極東部的村莊,開展了學習和音樂之旅。經歷了成功的倫敦巡演之後,他回來出身地,看見村民為他豎立的大理石雕像,百感交集。他帶着隨行友人,看看故居的火爐堆,回憶起小時候,孩童海頓坐在火爐旁把玩提琴,在父親旁以音樂渡時光。
 
有哪位出身平凡家庭的作曲家,能在有生之年衣錦還鄉?海頓是在音樂歷史中,少之又少的一位。
 
***
尼可拉斯親王 (Nikolaus I, Prince Esterházy) 在 1790 年逝世。那時,海頓 (Joseph Haydn) 在匈牙利貴族艾斯塔哈西 (Esterházy) 宮廷當了 29 年宮廷樂長 (Kapellmeister),建立了聞名於歐洲的出色樂隊。
海頓在匈牙利貴族艾斯塔哈西的宮廷擔任樂長達 29 年,本質上是貴族的僕人,但這是十八世紀音樂家夢寐以求的職業。
海頓在匈牙利貴族艾斯塔哈西的宮廷擔任樂長達 29 年,本質上是貴族的僕人,但這是十八世紀音樂家夢寐以求的職業。


29 年前的 1761 年,海頓與宮廷簽訂的聘請合約,詳細訂明了他的工作:「海頓必須確保自己及他的樂手遵從一切章則,並在殿下前穿白襪、白絲服及以髮夾或假髮履冠。海頓需每天中午前及中午後,在大廳中準時報到,接受殿下有關樂隊工作的指示,並指示其樂手,確保指示準時執行。」
 
尼可拉斯親王是位熱愛音樂的王子。隨着七年戰爭 (Seven Year’s War) 的完結,歐洲步入較為平靜的時期。王子雖然效力於維也納宮廷,但是卻一直討厭煩囂的維也納。於是,他經常待在位處維也納以東的城市艾森斯塔特 (Eisenstadt) 的艾斯塔哈西城堡 (Schloß Esterházy) 中,以音樂為樂。王子要什麼音樂,海頓就給他寫什麼;宮廷有什麼宴會,海頓也就提供什麼音樂。而且基於合約要求,還要穿着整齊制服。尼古拉斯王子,本來就是位極端注重細節而且講求華麗的貴族。本質上,這份工作只是一個僕人的差使;海頓所寫的音樂,起初更全都是宮廷的資產。但能賺得穩定薪金,包住宿,算得上是一個良好的出路。

海頓的臉上,還多了一份光榮。他的傳記作者寫道:「海頓的父親看見兒子穿着藍、金色的制服,聽到王子讚賞兒子的才華而感到喜悅。」

而對於海頓而言,這個是千載難逢的機會。因為他在此之前,只是一位寂寂無名的年輕音樂家,他的履歷,就只有簡單的一兩行。
***

海頓童年的歌聲悅耳,很快就由鄉村聞名至維也納,被斯蒂芬主教座堂 (Stephansdom) 邀請,在這座號稱「帝國的主教堂」的宏偉建築內,當上合唱團成員。
海頓童年的歌聲悅耳,很快就由鄉村聞名至維也納,被斯蒂芬主教座堂 (Stephansdom) 邀請,在這座號稱「帝國的主教堂」的宏偉建築內,當上合唱團成員。


海頓 1732 年生於奧地利盧勞市,是一個以商貿為主的鄉間小鎮。雖然他的小屋,由父親親自興建,但是這個家庭,算是比較貧窮,就連貝多芬後來看見這所小屋,也慨嘆「這麼的偉人,竟出生在如此寒微的小屋中!」海頓的父親是鎮中的車輪匠,媽媽是個廚師,兩人懂得的音樂,只合於自娛。但是,晚間時父親彈豎琴、母親唱歌,成為海頓年輕時最美麗的回憶。他的兩個弟弟,米高.海頓 (Michael Haydn) 成為了現在還留名於史的作曲家,另一位約翰 (Johann Evangelist Haydn) 也將會在海頓工作的宮廷成為音樂家。
 
六歲時,海頓被送到海恩堡 (Hainburg) 讀寄宿學校。他父親的親戚在那裏當校長,並且對海頓優美的歌聲感到驚訝。他在校長親自教育下,學習樂理、算術和拉丁文,音樂特別進步神速。在 1739 年(有說是 1740 年),這位小男孩被維也納的斯蒂芬主教座堂 (Stephansdom) 邀請,當上了這座號稱為「帝國的主教堂」的合唱團成員。

海頓在斯蒂芬主教座堂的生活,並不十分如意:老師們對學生並不理睬,學習的內容更是相當苦悶。他在課後的時間,找來別的樂理書籍學習,其中最重要的,是接觸到神聖羅馬帝國的宮廷作曲家霍斯 (Johann Joseph Fux) 的樂理著作《邁向帕爾納斯的階梯》(Gradus ad Parnassum)。海頓對這部對位法的理論課本珍而重之,勤加閱讀,他的課本更寫滿了拉丁文的筆記。
 
這個看似美好的年日,很快過去:男孩子一轉聲,海頓就「唱歌唱得像頭烏鴉」。大概在 1750 年左右,他被教堂辭退。17 歲的男孩,在陌生的維也納流連,被逼找些散工來做,一時教音樂,一時在街邊拉小提琴,並且身無分文。

遠離家鄉、失業、貧困,對於二十未到的年青人,誰會不感到迷失氣餒?
***

十八世紀的音樂家,最穩定的職業,是受聘於宮廷。當歐洲還是由皇室貴族統治之時,大小的宮廷間,爭相聘請優秀的樂師,為宮廷各大小場合提供音樂。莫扎特抗拒宮廷音樂生活,就是不希望活在宮廷諸多的繁文縟節之中。為他憂心終日的爸爸被莫扎特氣結,種下兩父子決裂的遠因。

寂寂無名的海頓被教堂辭退後,在維也納輾轉十年。其間他慢慢累積創作經驗,更幸運的,是遇上與《彌賽亞》的作曲家韓德爾在倫敦歌劇院間鬥個你死我活的波爾波拉 (Nicola Porpora)。海頓貼身服侍波爾波拉三個月,從他身上學到意大利音樂和歌唱的精要。終於他在 1759 年得到了第一份全職工作:在莫爾辛伯爵 (Count Karl Joseph Franz Morzin) 的宮廷當宮廷樂長 (Kapellmeister)。莫爾辛伯爵的府邸,位於當今捷克境內的下盧卡維察 (Dolní Lukavice),地點算是鄉郊而且偏遠。莫爾辛的樂隊規模很小,而且不久之後更因財政困難而要把樂隊解散,但能當上宮廷樂長,算是幸運的踏腳石。

這份工作,也為海頓帶來了一段婚姻。他曾經愛上學生凱勒 (Barbara Keller) 的其中一位女兒。可是,這位女兒卻在 1756 年進了修道院。海頓後來半推半就,娶了愛人的姊姊。這位姊姊被海頓形容為毫無音樂感,還相當固執。「我們雖然互相傾慕,但不久我就發覺她沒頭沒腦,而且相當不負責任。」海頓晚年的巨著《創世紀》(Die Schöpfung) 首演後,作曲家貝華特 (Franz Berwald) 曾經問她覺得如何,她著名的答覆是:「人家說這應該是很好的作品。但我不曉得。」

那麼,當日海頓為什麼娶她過門?歷史留下關於海頓前半生的資料,全都是他的一面之詞。我們實在沒有辦法得知,這婚姻實在是如何「災難」。或許是他順得人意,或許是他要報答凱勒一家,但是,他與她的夫妻關係,幾乎只維繫於住在同一屋簷下。人稱為「海頓爸爸」(Papa Haydn) 的慈祥作曲家,最終沒兒沒女。
***

海頓一生創作的 104 首交響曲,可說是他最重要的著作。海頓在艾斯塔哈西宮廷服務的頭十年,幾乎要為每星期二和星期四舉行的聚會提供音樂,交響曲不可或缺。他的樂隊不大,只有 13 至 15 人,但王子卻大灑金錢,招攬最好的樂手,也讓海頓全權負責,讓他在藝術上有所發揮。海頓說作為樂隊的領班,「我得嘗試並留意什麼音樂能產生良好或不良的效果,然後修改,增減,還是要冒險。我與世隔絕,在我的範圍內,沒有人能挑戰我的自信,亦因此我只能選擇獨創一格。」

十八世紀後半葉的宮廷聚會,並不像現在的音樂會一般嚴肅。這些私人性聚的聚會,雖然有音樂,但音樂還是娛樂之用,伴以貴賓的茶點、傾談和遊戲,最好還不太吵耳,喧賓奪主。音樂方面品種雜陳,通常都包含了獨奏與聲樂曲目,但是聚會的開始,就是以一首交響曲開始。

海頓的音樂,一如其人,往往充滿幽默。最著名的例子,就是《驚愕交響曲》寧靜柔和的慢樂章中那突如其來的鼓聲。他的鋼琴作品也有相當多可細味的有趣地方,比如這首建基於奧地利民歌的隨想曲,急速上行而又不斷重複的音階,就是模仿民謠中被捉着四肢的豬。一下突如其來的靜止,就像是捉豬的人跟本不能控制場面,要回一回氣。其後音樂一直沒完沒了,捉豬的人要和豬打作一團。
海頓的音樂,一如其人,往往充滿幽默。最著名的例子,就是《驚愕交響曲》寧靜柔和的慢樂章中那突如其來的鼓聲。他的鋼琴作品也有相當多可細味的有趣地方,比如這首建基於奧地利民歌的隨想曲,急速上行而又不斷重複的音階,就是模仿民謠中被捉着四肢的豬。一下突如其來的靜止,就像是捉豬的人跟本不能控制場面,要回一回氣。其後音樂一直沒完沒了,捉豬的人要和豬打作一團。



交響曲 (Symphony) 與開始一部歌劇的序曲 (Overture),有着共同的意義,而由是起初快、慢、快三部份的意大利序曲,演變成現在我們認識,既複雜又長篇的作品。第一樂章總是快的樂章,還多數是以奏鳴曲式 (Sonata-allegro form) 建構起來,接下來的是一個慢板樂章。小步舞曲是第三樂章,而且相當工整,而最後的樂章會是以迴旋曲 (Rondo) 完結。海頓在艾斯塔哈西的年間,寫了超過 70 首交響曲,規模也漸漸地變成我們現在熟悉的結構。

不過,十八世紀的交響曲,還是一個相當活潑的曲種,有着不同的可能。尼古拉斯王子給海頓的樂隊,是最佳的實驗場。第 22 交響曲被稱為《哲學家交響曲》,我們不知這別名從何而來,但第一樂章的卻是以英國管與圓號主打的慢板。傳說海頓更會花心思為樂隊成員寫些獨奏,背後的原因是可以讓他們獲得一點打賞。

第 45 交響曲更是現在聞名的例子:王子在匈牙利費爾托 (Fertőd) 的新宮殿樂而忘返,樂師們都掂記着家,海頓就在終曲樂章讓樂師逐個逐個離場,隱晦地告訴王子,是時候返回艾森斯塔特的主要宮殿了。
 
海頓作為照顧樂師的領班,有着爸爸般的脾氣。他的音樂亦一如其人,既有着「海頓爸爸」的溫文爾雅,又常有幽默一面。
***


1790 年,尼可拉斯親王逝世,繼任人並不喜愛音樂,隨即把整個音樂部門譴散。海頓雖被投閒置散,還是宮廷的僱員他依舊每月支薪,更可以出外闖蕩。海頓在艾斯塔哈西服務的年間,足不出戶,但名聲卻傳遍歐洲。1791 年,他被德國小提琴家兼音樂會策劃人沙羅門 (Johann Peter Salomon) 邀請到倫敦開音樂會,成為倫敦音樂界的盛事。
 
艾斯塔哈西為於艾森斯塔特 (Eisenstadt) 的宮殿,有龐大的音樂廳以供演出。現在這音樂廳保留着以往的瑰麗與氣派,並被命名為「海頓音樂廳」(Haydnsaal)。
艾斯塔哈西為於艾森斯塔特 (Eisenstadt) 的宮殿,有龐大的音樂廳以供演出。現在這音樂廳保留着以往的瑰麗與氣派,並被命名為「海頓音樂廳」(Haydnsaal)。



1791 年 5 月 16 日,倫敦的《泰晤士報》刊登了以下的音樂會廣告:「海頓先生恭請各貴族士紳,他的音樂會將於今晚舉行。」然後列舉音樂會兩大部份的曲目,樂曲種類雜陳,獨唱、合奏、協奏,什麼都有,而兩部份的音樂會,皆以兩首「大序曲」(Grand Overture) 開始。其時還稱為「大序曲」的交響曲,與宮廷音樂會一樣,為整個晚上揭開序幕。不同的是,海頓在倫敦得到非一般的尊重。
 
海頓為倫敦音樂會創作的 12 首交響曲,不單是他最精巧的作品,也是古典音樂中最成功的演出。其中最著名的第 94 交響曲《驚愕交響曲》,也是在此時首演,巧妙地展示了海頓幽默的一面。在第二樂章寧靜間突然而起、令人錯愕的鼓聲,並不是為了把熟睡的貴賓們嚇醒,而是海頓想展示音樂中的新意。海頓說:「我的目的是要令大眾一嘗新意。雖然這樂曲的第一樂章的完結,已經有着不停的歡呼聲,但第二樂章突如其來的鼓聲,簡直就令觀眾着狂。『安哥!安哥!』幾乎每一個人都叫着。」
 
海頓筆下的驚愕,是平靜日子中的溫馨和驚喜。一踏入十九世紀,整個歐洲會被戰爭和暴動濃罩。隨着貴族失勢,音樂也隨之由宮廷走到大眾。宮廷式的典雅,來自安穩與平和。在十九世紀音樂找到的,不多是驚喜,而是驚慌。
***

英皇佐治三世向海頓說:「海頓先生,你寫了真多。」海頓謙虛地回應說:「是的,陛下,寫了的樂曲,比能稱上好的樂曲要多。」英皇回應說:「此言差矣。世人可不同意。」
 
由謙虛的出身,到成為宮廷的私人作曲家,到大眾認識的大師,海頓憑着的,是埋首苦幹。他先為宮廷服務,後為大眾寫喜愛的作品,上千首作品過後,卻沒有太多想過自己其實想要寫些什麼。直到他離開宮廷,名成利就而又積聚了相當財富之際,他終於開始專心創作於自己想要寫的音樂。

從前一口氣為人寫 12 首交響曲的海頓,在 1796 年開始創作《創世紀》。「寫此曲之前,我從未試過如此專注。我每天都跪在地上,懇求上帝給我力量完成此作品。」歷時一年半的大作,他完成之時在樂譜上寫上:「讚美上主。」

海頓人生最後的 12 年,主要寫的是聖樂,還有很多有趣的室樂作品。與宮廷關繫濃重的交響曲,完全絕跡於他的作品集中。

不論為誰人所寫,不停創作,就是作曲家的使命。1809 年 5 月 31 日,亦即是拿破崙大軍炮轟維也納後不久,他因着久病辭世,結束了他既幸福而又成功的作曲家生涯。音樂之都維也納,也在同年 10 月,落入拿破崙手上。

此文章為 「音樂遊蹤」講座系列:東歐站 講座系列 之專題文章。講座日期為 2014 年 5 月 21 日。

自《Dennis Wu》(21/5/2014)


Introducing Haydn - Symphony No. 94 "Surprise"

2014年5月25日 星期日

史卡拉第 Scarlatti

提神醒腦新年好~

「無論您是業餘愛好者或是專業好手,都希望各位能以少一點批評、多一點人性的態度,來看待這套曲集,那麼想必您必然會享有更大的樂趣。」在史卡拉第出版的鍵盤奏鳴曲樂譜首頁上,他曾留下這樣耐人尋味的幽默話語。

這位和巴赫與韓德爾同年出生的音樂家,也一樣是精湛絕倫的鍵盤演奏高手,但史卡拉第更是家學淵深:出生於當時音樂傳統最為豐厚輝煌的義大利,音樂天份早被其音樂家父親發現並善加栽培,十六歲就已是皇家教堂音樂家。他先在羅馬建立事業,後來遠赴伊比利半島,先為葡萄牙皇室效命...,最後則到西班牙。也因此,伊比利半島的音樂風味與樂器演奏,也就成為史卡拉第作品的音樂元素之一。

雖然也有管弦樂和歌劇作品,今日史卡拉第最為人所知的,還是他計有五百五十五首的鍵盤樂器奏鳴曲。史卡拉第在這些作品中適當融入地方素材,我們自然可聽到吉他與響板的模仿,及許多特殊的節奏處理,大幅開展了鍵盤樂曲的表現可能。到了鋼琴時代,雖然史卡拉第一度為人忽視與遺忘,但許多演奏大師仍然看出這些奏鳴曲顛撲不破的價值,蕭邦就是其中之一。他常讓學生演奏史卡拉第奏鳴曲,並相傳曾有以下表示:

「我那些尊敬的、教鋼琴的同行,並不認可我要求學生學習史卡拉第。我實在很驚訝他們竟是如此狹隘。史卡拉第的作品包含豐富的手指練習,而且也觸及最高的音樂靈性,有些甚至能和莫札特相提並論。如果不是因為人言可畏,我怕遭至太多笨蛋的非議,我會在我的音樂會中彈奏史卡拉第。我相信
總有一天,史卡拉第會在音樂廳廣被演奏,而聽眾也會欣賞並喜愛他的作品。」

對現代鋼琴演奏者而言,史卡拉第奏鳴曲不見得容易演奏,特別是那些適合輕盈鍵盤或雙層鍵盤的段落,以現代鋼琴彈奏確實甚為吃力。但作品本身所能展現的層次感、音色變化,以及既可華麗燦爛也能深刻內省的藝術內蘊,終能讓史卡拉第在二十世紀後半至今成為鋼琴曲目中的顯學,也讓蕭邦的預言確實成真。

拉赫曼尼諾夫說,他常常用史卡拉第奏鳴曲練習,手指就像是「洗了舒服的冷水澡」。無論彈不彈鋼琴,欣賞史卡拉第都有無窮樂趣。在大吃大喝的年假後,何妨也以史卡拉第奏鳴曲當成音樂收心操,在美妙樂聲中,給自己一個提神醒腦的好開始。

截錄自焦元溥/聯合晚報
 
自《音樂講堂》(5/2/2014)
 
 
Scarlatti - K.141 - Jean Rondeau
 

2014年5月14日 星期三

新古典主義的主要人物:布拉姆斯


德國作曲家布拉姆斯 (1833-1897)。這是他在世的最後一年所拍攝的照片。(photos.com)
 
【大紀元1月30日訊】19世紀中期後,德國浪漫樂派風行,華格納、白遼士與李斯特等人,正在如火如荼的活躍著,卻也有人對其產生反感,而親近古典樂派與初期浪漫樂派如舒伯特,孟德爾頌,舒曼等,他們雖然是借用古典樂派的莊重音樂形式,但是離不開浪漫樂派的詩情與幻想,同時又使用浪漫樂派發展出的作曲技巧,於是產生了新古典主義(Neo-Classicism),其中主腦人物就是布拉姆斯(1833~1897)被稱為浪漫樂派時期的復古者。他常在曲子中用古典式的材料為架構,整體卻呈現出全新的創作手法。臨時升高半音演奏

布拉姆斯在1833年5月7日出生於德國北部的大城漢堡,從小身瘦體弱,沉默寡言,但是對音樂卻很靈敏。父親是歌劇院的低音大提琴手,雙親年齡懸殊,母親大父親17歲。自幼就從父親學習小提琴,後來對鋼琴發生興趣,於是7歲時與奧托科塞爾(OttoF.W.Cossel 1813-1865)學習鋼琴,科塞爾為了能盡全力教導他,乾脆就住進布拉姆斯家裡,使得他的鋼琴技巧進步神速,10歲時就已經能夠登台彈奏莫札特與貝多芬的曲子了,不久老師柯塞爾介紹擅長作曲與鋼琴的艾德華馬克森(Eduard Marxsen1806-1887),除鋼琴外並教他作曲理論。馬克森更不斷的灌輸他巴赫、莫札特、貝多芬和舒伯特的作品和德國民謠,讓他大開眼界,小小心靈就已種下了美好的種子了。
由於家境不好,13歲的布拉姆斯已經負擔起家計。在漢堡港口的酒吧裡,每到夜幕低垂時,無論晴雨閃爍著霓虹燈的街道中總會飄揚起布拉姆斯的琴聲,另外的時間他也在劇院中演奏和為舞蹈伴奏,人們都讚賞他將來必定和貝多芬一樣。果真如大家所料,十年後他已成為一位偉大的作曲家了。

布拉姆斯20歲時和來自匈牙利的小提琴手雷曼尼(Remenyi)到德國北部旅行演奏。在傑丁根時他要為雷曼尼伴奏貝多芬的克羅采奏鳴曲,因為鋼琴的音低了半音,而且已來不及調音了,布拉姆斯一點也不緊張,當雷曼尼的小提琴聲一起,他以高半音調子而且完全背譜順利的彈奏出來,在座的聽眾根本不知道,連雷曼尼自己也不知道,得知此事後雷曼尼非常讚嘆。當時名小提琴家姚阿幸(1831-1907)也在座中,對這位青年極為欣賞,他們認識之後成為好朋友。當布拉姆斯旅行演奏結束時,布拉姆斯隨即去找在哥丁根度假的姚阿幸,兩人還一起到大學聽歷史和哲學課。另外姚阿幸也為他寫信引見在威瑪的李斯特和在杜塞道夫的舒曼夫婦。

布拉姆斯見過李斯特後,他們並不怎麼投緣,接著他即前往杜塞道夫拜訪前輩舒曼。舒曼慧眼識英雄,看出他的才華,兩夫婦非常歡迎他,於是舒曼在「新音樂時報」的雜誌上常常介紹布拉姆斯並協助他出版樂譜,舒曼的妻子克拉拉也極力的幫助他,克拉拉在各地的演奏會中都彈他的作品。1856年舒曼逝世後,布拉姆斯從漢諾威來到杜塞道夫照顧舒曼一家人,因此與有七個孩子的克拉拉滋生愛情,克拉拉年長他15歲,23歲的布拉姆斯對克拉拉又敬又愛,兩人常有書信往來,但不久在一次的出外旅行之後,布拉姆斯對克拉拉遂從愛情而轉為同情,他發現婚姻和創作無法兼得。這時他也開始尋找新的創作的方向,學習對位法、配器法與變奏技法,所以在克拉拉搬到柏林時,他也離開了杜塞道夫回到漢堡。

為音樂而作的德文安魂曲

後來大部分時間布拉姆斯都住在漢堡,擔任宮廷鋼琴家和合唱指揮,這時期他的作品更趨成熟,寫下了充滿青年苦澀的b小調第一號鋼琴協奏曲,1859年在來比錫發表時,並未受歡迎。後來由姚阿幸指揮,布拉姆斯自己彈奏演出方獲得好評,經過了14年的時間後,由克拉拉演奏再次受到肯定,1878年布拉姆斯再次親自彈奏此曲時,喝采之聲空前不絕,這期間結識名歌唱家尤利斯史托克豪森並成為知己,同時正著手創作「韓德爾主題變奏曲與賦格曲」、合唱曲、鋼琴的室內樂曲以及歌唱曲等,「第一號交響曲」與「德文安魂曲」也在此時孕育。

布拉姆斯也到過維也納旅行演奏,他深深愛上了這個音樂之都,他喜歡的音樂家都曾經在此,如貝多芬、舒伯特與小約翰史特勞斯。他在1862年定居維也納。雖然剛開始他艱深的音樂不太被接受,直到1868年他寫了「德文安魂曲」,才獲得肯定與欣賞。這是在當時舒曼過世時,為要表達悲痛之情,他開始寫這首「德文安魂曲」,寫到一半時,自己的母親也過世,以致刺激他快速的完成此曲, 這是一首以德文為歌詞的莊嚴安魂曲,純粹為音樂而寫,而不是為教堂演唱而寫,有別於其他的安魂彌撒曲,讓人聽了都不禁會流下眼淚。由於此曲的成功,讓布拉姆斯的作曲家地位更上一層樓。

從1868年到1874年之間,布拉姆斯為什麼陸陸續續作了21首之多的「匈牙利舞曲」呢?因為他在旅行演奏中,曾經到過匈牙利,當他看過「查爾達斯」匈牙利的民族傳統舞蹈後,他很喜歡舞曲中夾雜著緩和如傾訴般的情感與快速熱情奔放的節奏,有點吉普賽風格,因而激發他創作了那麼多的「匈牙利舞曲」,這些舞曲中有給鋼琴四手聯彈的曲子,也有是鋼琴和小提琴獨奏曲及管絃樂曲。在當時的歐洲人家裡很流行鋼琴的聯彈,所以具有異國風情的「匈牙利舞曲」出版成樂譜後非常的受歡迎。

主張古典主義

布拉姆斯作品Alto Rhapsody(女中音狂想曲)的手稿。(圖片來源:photos.com)

布拉姆斯深受貝多芬影響,他主張回到古典主義,回到巴赫、貝多芬的音樂,對浪漫樂派音樂家的風格和標題音樂產生反感,華格納使浪漫派音樂發展到巔峰,而布拉姆斯則創導了新古典樂派,形成了兩個流派。而布拉姆斯的代表作「第一號交響曲」是繼貝多芬的「第九號交響曲」的大傑作,有人稱其為「第十號交響曲」,深具貝多芬的風格外,實質上亦有濃厚的北德浪漫要素。這首協奏曲首演時,由姚阿幸擔任小提琴,布拉姆斯親自指揮,結果發生了一件很糗的事件;開演時布拉姆斯遲到了,來不及換衣服就直接上指揮台,音樂進行途中不但鈕扣掉了,還發現忘了配褲帶,使得這次首演失敗,由此可見布拉姆斯在穿著上還真不注重。接著他又寫了「第二號交響曲」和「D大調小提琴協奏曲」。

布拉姆斯終身未娶,卻也有過幾次的戀愛,他單身為何寫出膾炙人口的搖籃曲?那是因為布拉姆斯當年在漢堡當合唱團指揮時,曾經暗中喜歡一位女歌手,而女歌手卻成為法柏夫人,1868夏天為了慶賀法柏夫人次子出生,他寫了這首搖籃曲,從如此溫馨親切的音樂中,我們又看到布拉姆斯的細膩與柔美的一面。

布拉姆斯屬於晚成的作曲家,眾多的作品中,四首交響曲最受推崇,完全展現了他優異的作曲技巧。在晚年時認識小約翰史特勞斯,照理說當時的圓舞曲瘋狂氣象,與布拉姆斯的個性是背道而馳,而他卻很喜歡維也納圓舞曲,自己也譜寫了一些圓舞曲作品,由此可知他與史特勞斯的友誼多麼深厚,在伊舒爾的別墅他們是鄰居,兩人還常常一起去散步。

1896年敬愛的克拉拉舒曼走了,他一路奔波趕到法蘭克福,而克拉拉的遺體又被送往波昂,勞勞頓頓近40小時,終於來到克拉拉的墳前,63歲的布拉姆斯悲慟欲碎,哪堪折騰,回到伊舒爾後,臉色蠟黃、日漸消受,經醫生診斷結果,他得了肝癌,做各種治療終無效,於1897年4月3日離開人間,1899年史特勞斯也相繼去世,他們都葬在維也納中央墓地,和貝多芬、舒伯特比鄰安睡。

自《大紀元》( 2008-01-29 18:21:44 PM )


Arthur Rubinstein - Brahms Intermezzo, Op. 118, No. 2 in A major

 
 
 

2014年5月5日 星期一

焦元溥〈幻想,苦戀釀成的酒〉

焦元溥〈幻想,苦戀釀成的酒〉

◎焦元溥/聯合晚報

「確知了他的愛遭受拒絕,藝術家服下鴉片自殺,卻因劑量不足,陷入充滿怪異景象的幻想。他夢見自己殺了愛人而被判刑,被帶往斷頭刑場,目睹自己被處決。當他哭喊乞求原諒時,麻醉又產生效用。他想躲藏卻又不能,像個旁觀者看著自己死亡。隊伍依進行曲的聲音前進,那聲音時而嗚咽、時而兇猛、時而華麗、時而嚴肅。笨拙拖沓的步伐,直接進入最吵鬧的喧囂。在進行曲的尾聲,固定樂思的最初四小節再度出現,像是最後一瞥對情人的回顧,最後又被致命的一擊所切斷,人頭落地。」

1827年9月11日,法國作曲家白遼士在巴黎欣賞莎士比亞《哈姆雷特》演出時,深深為擔任女主角的愛爾蘭演員史蜜遜(Harriet Smithson)著迷。從此他用盡心機一親芳澤,不只學習英文,還安排作品在佳人面前演出,也試圖寫信示愛。可惜去信無回,努力徒勞,作曲家飽受單戀煎熬,越是朝思暮想,就越是失落心...傷。

這段堪稱西方音樂史上最著名的苦戀,最後讓白遼士譜出《幻想交響曲》,成為他痛苦與熱情的出口:此曲最特殊之處,在於運用了「固定樂思」(idee fixe)。這個詞在精神醫學中,是指強迫性反覆回憶之症,可翻譯成「執念」。但白遼士將此概念用於音樂,就成了貫穿樂曲的「固定樂思」,在《幻想交響曲》當然是指朝思暮想的史蜜遜。無論在和聲或體裁,此曲都是劃時代的經典。而作曲家以大量文字解釋音樂寫作,更成為浪漫主義標題音樂代表,是那狂飆反叛古典主義時代的經典記錄。

全曲五個樂章,隨音樂開展,幻想也越見癲狂。第四樂章是鼎鼎大名的〈斷頭台進行曲〉,作曲家自稱此曲乃一夜揮灑而成,就其樂想而論,就算不是出於一夜,這樣揮灑自如又一氣呵成的筆法,確實是旺盛創造力下盡興盡情之作。我們聽到張狂喧囂的刑場進行曲,行刑的戰慄恐怖,旁觀者的興奮鬨鬧,以及刀下頭斷的具體摹寫。之後的終樂章〈巫魔會夜夢〉(Songe d’une nuit de sabbat),其鬼哭神號、魑魅魍魎群魔亂舞,更展現作曲家最豐富放肆的想像。能有此曲流傳,就算白遼士不寫其他創作,他也足以名列偉大作曲家。

現實生活中,白遼士雖然迷戀史蜜遜,情感仍有他屬。幾經波折,他還是在1833年10月3 日得償宿願,和史蜜遜在巴黎英國大使館成婚。只可惜兩人感情並未因婚姻而長久,七年後就以分居收場。感情如露如電、癡戀夢幻泡影,幸好藝術終究超越一切,我們還有《幻想交響曲》。
 
自《音樂講堂》(6/4/2012)
 
© Hector Berlioz (1803-1869) - Symphonie fantastique (1830) - DRSO - Rafael Frühbeck de Burgos
 
 
 

2014年5月4日 星期日

第10屆蕭邦大賽冠軍鄧泰山~關於德步西 我想說的是......

第10屆蕭邦大賽冠軍鄧泰山~關於德步西 我想說的是......


 我很早就開始接觸德布西音樂,這麼說吧,當我還在母親肚子裡就聽德布西,因為我的母親在法國文化的洗禮之下長大,而她的鋼琴基礎也來自於法國傳統,由於早年所埋下的「德布西種子」,使得我對德布西音樂的直覺以及我感受到德布西音樂對於我的深化都是與日俱增的,因為他的音樂,使得我對藝術的追求有了更完整的原因,德步西的音樂平衡了我的感性層面。
⋯⋯...
德布西作品中的「東方」特質讓我特別有親切感,他所使用的五聲音階以及民間樂器聲響的模仿,其微妙與精緻的美學所映照出的東方情感,無形之中,形成了東方與西方之間的橋樑。

在鋼琴曲目的演進中,德布西作品可說是一種「革命」,德布西運用鋼琴的色彩、光影的明暗、寧靜與空間,探索出新的世界與新的演奏技術,演奏家必須絕對精準地控制所有音樂元素,才能如實地呈現出德布西所要的。(可惜德布西的抽象特質常常被誤解為踏板含糊不清地運用與演奏)


【刊載於《MUZIK》No.67/鋼琴家:鄧泰山/整理:李欣恬】



DEBUSSY : SUITE BERGAMASQUE - pianista BRUNO CANINO


 




2014年5月3日 星期六

Cristofori pianoforte

Cristofori pianoforte

Cristofori pianoforte















This is an exact copy of the 1726 instrument by the inventor of the pianoforte, Bartolomeo Cristofori. It was made as part of a research project by my wife, Kerstin Schwarz. We have since made another exact copy, commisioned by the Leipsig museum of musical instruments, which owns the original. The 1726 piano has only a 4 octave range, but Cristofori also made pianos with a bigger compass, such as the 4½ octave 1720 piano now in New York. (See also the page on Cristofori and the Medici)
Listen to the Cristofori piano in MP3 (1.3MB)
Listen to the Cristofori pianoforte:
 
 
 
Cristofori pianoforte
 








 
One of the 3 surviving original Cristofori pianos, from 1722, now in the instrument museum in Rome. Famous musicians such as Scarlatti and Handel knew and played on Cristofori's piano, and the Silbermann piano that Bach knew had an exact copy of Cristofori's action (no copyright in those days!).

 
 
Cristofori pianoforte

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Cristofori's action is the first real piano action. His principal invention was the escapement mechanism, but Cristofori went on to improve the action in many ways. The result is a marvelously refined and delicate instrument with a beautiful sound, an instrument brought to a true state of perfection. All subsequent pianos, down to the modern piano, derive from this instrument, but many were not as successful as the very first!

from "TONY CHINNERY HARPSICHORDS"